Género Lírico

 

Características de la poesía: 

Es una expresión artística de la belleza por medio de la palabra, sujeta a ritmo, medida (o métrica) y cadencia, especialmente cuando éstos toman la forma regular del verso. Hay entonces, predominio de la función poética o literaria del lenguaje (la función principal está centrada en el mensaje mismo). El poeta busca la intencionalidad estética y para eso se basa en todos los recursos de la lengua.

     La poesía permite trabajar cada palabra con otros significados, más allá de los que aporta el diccionario o los que se usan habitualmente. En un texto poético, cada lector construye su sentido, que no necesariamente deberá coincidir con el de otros lectores, ni siquiera con el del autor del texto.

   Al ser la expresión de sentimientos la finalidad de todas las composiciones del género lírico, el contenido es fundamental en sonetos, canciones y todo tipo de poesías. Sin embargo, dado que la lírica tiene también una función estética, la forma externa también es importante, dando paso a elementos como la métrica, el ritmo y la rima.

El verso y la estrofa 

• El verso es la unidad rítmica que se repite para formar estrofas o series. Es un conjunto de palabras sujetas a medida y cadencia según reglas. Proviene del latín “versus”, línea, renglón y también surco. Los versos de hasta ocho sílabas se denominan de arte menor. Los de más de ocho sílabas se denominan de arte mayor o compuestos.

• La estrofa es cualquiera de las partes compuestas del mismo número de versos y ordenadas de modo igual, de que constan algunas composiciones poéticas; estas agrupaciones se denominan pareados,  tercetos, cuartetas, etc. 

La medida, la métrica 

•  La métrica o medida de los versos responde a un orden rítmico que se ajusta a una norma regular en cuanto a la cantidad de las sílabas: trisílabos (3), pentasílabos (5), hexasílabos (6), endecasílabos (11), etc. Al medir el verso se cuentan tantas sílabas como hay en la pronunciación real, pero debemos tener en cuenta que en nuestro idioma predominan las palabras graves. Por eso los versos que terminan con palabra grave fijan la norma: tienen exactamente el número de sílabas que contamos; si el verso termina en palabra aguda o monosílaba, se le agrega una sílaba; si, en cambio termina en palabra esdrújula, se le resta una sílaba.

La rima 

• Se entiende por rima la igualdad de sonidos finales entre dos o más versos a partir de la última vocal acentuada. Ésta puede ser asonante, cuando son iguales solamente las vocales, y consonante cuando a partir de la última vocal acentuada son iguales vocales y consonantes.

Recursos fónicos o sonoros.

La versificación es un recurso fónico de gran importancia, regido por complicadas reglas de metro (=medida de los versos), rima, ritmo y estrofa.

Aliteración: repetición de uno o varios fonemas (sonidos) dentro de un mismo poema con intención expresiva: tres tristes tigres comen trigo en un trigal. También, algunos versos de Rubén Darío que lo han hecho famoso: "sus suspiros escapan de su boca de fresa" .

Onomatopeya: palabra o frase cuyos sonidos sugieren el de la realidad a la cual se refieren. Murmullo, tic-tac, zig-zag son palabras onomatopéyicas.

Paronomasia: repetición de palabras de sonido semejante y significado diverso: En bus ves por donde vas.

Recursos morfosintácticos o gramaticales.

Asíndeton: supresión de nexos en una frase:

Un no rompido sueño, un día puro, alegre, libre quiero (Fray Luis de León)

Polisíndeton: multiplicación de nexos innecesarios.

Ser, y no saber nada, y ser sin rumbo cierto,

y el temor de haber sido y un futuro terror... (Rubén Darío)

Anáfora: repetición de una o varias palabras al comienzo de dos o más frases seguidas.

Esta casa de Dios, decid, hermanos,

esta casa de Dios, ¿qué guarda dentro? (Antonio Machado)

Hipérbaton: alteración del orden de los elementos de una frase:

Volverán las oscuras golondrinas

en tu balcón sus nidos a colgar... (G. A. Bécquer)

Recursos semánticos o de significación.

Etopeya: descripción de la personalidad: carácter, cualidades, defectos y valores morales y espirituales. (interior)

Prosopografía: descripción física de una persona o de un animal. (exterior)

Retrato: descripción física y de la personalidad. (ambas)

Topografía: descripción de un lugar, frecuentemente un paraje natural, paisaje.

Interrogación o pregunta retórica: uso de la interrogación como recurso intensificativo de una aseveración o un sentimiento.

Hipérbole: exageración magnificadora o degradante: Por tu amor me duele el aire, el corazón y el sombrero (F. G. Lorca)

Prosopopeya o personificación: atribución de cualidades personales a animales, vegetales o cosas: la tarde está triste, su voz es casi un soplo.

Símil o comparación: relación de semejanza o desemejanza entre dos realidades, con expresión del elemento comparativo: como, es como, tal, igual que, etc.

Antítesis: contraposición significativa de palabras o frases.

Oxímoron: unión en un mismo sintagma de términos contradictorios: una agradable llaga

Gradación o clímax: serie de elementos ordenados por su significación ascendente o descendente: En tierra, en humo, en polvo, en sombra, en nada. (Luis de Góngora)

LA CANCIÓN. 

Es una composición en verso para ser cantada. En ella se combinan el texto en verso y la música. A veces, se parte de la música y después se escribe la letra; otras, se musicaliza a un poema. La intencionalidad principal es estética, igual que la de los poemas. La trama de sus textos, en general, es narrativa o descriptiva.

• Los temas pueden referirse a:

1) Las relaciones afectivas (de los enamorados, de padres e hijos, de amigos, etc.)

2) Problemáticas sociales: protestas, denuncias e injusticias sociales, toma de partido y consignas políticas, lamentos ante la guerra, apuestas a la construcción de una sociedad en la que no haya ricos ni pobres.

3) Cuestiones metafísicas: el sentido de la vida, el miedo ante la certeza de la muerte, el más allá o la nada.

• En cualquier caso, el estado anímico, las pasiones, el mundo subjetivo del yo lírico impregnan la canción. La música subraya el estado de melancolía, de plenitud, de euforia o de bronca.

• El yo lírico se manifiesta con un lenguaje que enfatiza el mensaje en sí (el cómo se dice). La voz que se expresa se presenta como la de cualquier persona que podría sentir lo mismo: el yo se universaliza, deja de ser exclusivo.

EL SONETO. De estirpe italiana. Don Juan Manuel lo llevó a España y luego lo castellanizaron definitivamente el Marqués de Santillana, Boscán y Garcilaso de la Vega. Un soneto es un tipo de composición poética de catorce versos, generalmente endecasílabos (once sílabas), distribuidos en dos cuartetos (es decir, dos estrofas de cuatro sílabas cada una) que repiten sus rimas y dos tercetos  (dos estrofas de tres sílabas cada una). “Soneto” de Lope de Vega

 (1) Un soneto me manda a hacer Violante,            (2) Yo pensé que no hallara consonante,

 En mi vida me he visto en tal aprieto;                   Y estoy a la mitad de otro cuarteto;

Catorce versos dicen que es soneto,                      Mas si me veo en el primer terceto,

Burla burlando van los tres delante.                      No hay cosa en los cuartetos que me espante.

(3) Por el primer terceto voy entrando,                 (4) Ya estoy en el segundo, y aun sospecho

Y aun parece que entré con pie derecho,                  Que estoy los trece versos acabando:

Pues fin con este verso le voy dando.                       Contad si son catorce, y está hecho.

Romeo, Julieta y el amor romántico

Aquí pueden acercarse a leer la obra teatral Romeo y Julieta de W. Shakespeare quienes así lo deseen. 

   Romeo y Julieta es la historia de amor más conocida alrededor del mundo. Es complicado imaginar el mundo de relatos amorosos sin Romeo y Julieta, quizás múltiples obras jamás habrían sido ideadas o no existirían clichés. Siglos pasaron desde su estreno en Londres durante el período Isabelino, época dorada del teatro en que el gran Shakespeare presentó su obra más conocida.

      Esta historia no fue creada originalmente por Shakespeare. Si seguimos su rastro antes de él, Luigi da Porto publicó en 1530 una historia que parece haber inspirado Romeo y Julieta. Esta obra se titula L'Historia novellamente ritrovata di due nobili amanti (Historia novelada de dos nobles amantes). La historia también se desarrolla en Verona y sus protagonistas son dos nobles, uno Montesco y otro Capuleto. Incluso, esos amantes también se llaman Romeo y Julieta. Incluso, yendo aún más atrás en el tiempo encontraremos varias versiones similares. La más antigua se remonta casi 1600 años a la antigua Mesopotamia. Su relato se encuentra en diversas fuentes, entre las cuales la más célebre es «Píramo y Tisbe» relatada por Ovidio en sus Metamorfosis. Píramo y Tisbe habían crecido juntos viviendo toda su vida en casas adyacentes. Su romance estaba prohibido por los padres. No obstante, un hueco en la pared les per­mitía comunicarse con cartas secretas. Su final es trágico. 

        Una noche, decidieron encontrarse a escondidas a las afueras de la ciudad. Tisbe salió primero cubierta con un velo para pasar desapercibida. Mientras esperaba a Píramo, una leona se acercó con el hocico cubierto de sangre. Tisbe huyó aterrada hasta una cueva cercana perdiendo su velo. La leona lo olió y lo manchó con sangre. Poco después llegó Píramo; cuando vio el velo en­sangrentado creyó que Tisbe había sido devorada. Acto seguido se clavó su pro­pia espada junto a la morera e inundó el suelo con sangre. Desde entonces los frutos blancos se volvieron rojos. Al encontrarlo, Tisbe supo inmediatamente qué había ocurrido. Descorazonada, se clavó la espada mientras pedía descansar eter­namente junto a su amado. Los dioses escucharon ese último deseo y se lo concedieron. Los padres de Píramo y Tisbe que­maron sus restos en una misma urna.

   Con Romeo y Julieta, los espectadores experimentan emociones de la comedia hasta la tragedia, un conjunto de emociones diversas. Fue el primer gran éxito del dramaturgo ante el público y también ante la crítica. Existen más de 24 óperas inspiradas por este clásico de Shakespeare. Ha influido en varias producciones de ballet y ha sido ilustrada en innumerables ocasiones. su historia se ha llevado a numerosas filmaciones y representaciones en talleres infantiles.

Siempre nos encontramos con su historia. Generación tras generación nos hemos empapado con esta tragedia romántica, amándola o rechazándola, sin punto intermedio. Tendríamos que vivir bajo una roca para nunca haberla conocido. Pero, ¿por qué ha sido tan importante? ¿Por qué seguimos viéndola representada en cada época?

El amor omnipotente

·       Lo que hace tan
especial esta obra son los amores prohibidos; la intensidad, deseo y pasión;
las románticas declaraciones amorosas, los encuentros a escondidas y la
complicidad ante un amor secreto compartido. Cuando hay obstáculos,
el amor se intensifica para los amantes; en psicología esto es conocido como
«efecto Romeo y Julieta”.

       Para Romeo no existe
más mundo que Julieta. Incluso algunos aseguran que Rosalina, primer interés
amoroso de Romeo, solo representa ese ideal romántico. Finalmente, Julieta
termina personificándolo; en ella encuentra un amor superior e idealizado. Este amor es fuente
infinita de felicidad; puede todo, cura todo. Romeo no es nada sin Julieta ni
ella sin él; ven un vínculo extremadamente intenso en cada uno, rozando lo
divino, poniendo el amor entre ellos, por sobre todas las cosas.

        Nos rendimos ante la
muerte de estos amantes. Terminamos deseando encontrar a nuestro Romeo o a
nuestra Julieta sin indagar en esa tragedia. Nos embriaga su arrebato y nos
impulsa a no pensar las consecuencias. No importa dónde ni cómo, finalmente
deseamos tener ese romance intenso, apasionado; un amor puro, virtuoso,
inocente, sin explorar. Según Harold Bloom, un importante crítico literario, "Esta pieza constituye la mayor y más conveniente celebración del amor romántico  en la literatura universal; inventó la fórmula donde lo sexual se convierte en erótico al cruzarse con la sombra de la muerte”. Existen mejores novelas románticas, pero Shakespeare logró con Romeo y Julietaalgo admirable. No solo es una obra fácilmente digerible, también es cautivadora.

El amor romántico se
fundamenta en aquello que podríamos llamar una filosofía “omni” que lo
considera omnipresente (ocupa todo el ser), omnipotente (todo lo puede) y
omnisapiente (sabiduría infinita). En resumidas cuentas, si estás enamorado
eres pleno, poderoso y sabio" (en Interesante — La Vida Digital) 

El amor romántico y sus mitos:

Los mitos del amor romántico son el  conjunto de creencias compartidas socialmente sobre lo que supuestamente es "el amor verdadero”. Estos mitos forman parte de los sistemas de creencias que sostenemos en las diferentes sociedades y que alimentan muchas de las producciones culturales que consumimos a diario, en nuestra vida cotidiana, como canciones, películas, series, libros, publicidades, etc.

También afectan directamente en la manera en la que solemos posicionarnos en la pareja y en sus acontecimientos y experiencias. Contribuyen a que pensemos que una chica enamorada DEBE ser de tal manera, hacer y permitir ciertas cosas y que un chico enamorado DEBE ser de tal otra manera, hacer otras cosas, permitir otras o que tiene el derecho de prohibir otras. Y estas maneras de “estar en una relación” siempre son concebidas desde la heteronormatividad, o sea desde una vinculación heterosexual (chica- chico), sin admitir la posibilidad de disidencias sexuales. 

Los siguientes son los principales mitos románticos que se han sustentado en el tiempo y en diferentes lugares del mundo, ya que la noción de amor romántico no es exclusiva de un país, de una región del mundo o ni siquiera de una cultura, sino que está ampliamente extendida. Compartamos el análisis desde la psicología sobre 10 mitos sobre el amor romántico  

¿De qué modo nos pueden afectar estos mitos? La creencia de que el amor todo lo puede llevaría a considerar (equivocadamente) que es posible vencer cualquier dificultad en la relación y/o cambiar comportamientos de su pareja (aunque sea un maltratador) lo que llevaría a seguir en esa relación violenta. Considerar que la violencia y el amor son compatibles (o que ciertos comportamientos violentos son una prueba de amor), justificaría los celos, el afán de posesión y/o los comportamientos de control como muestra de amor, y trasladaría la responsabilidad del maltrato a quien lo padece por no ajustarse a los pedidos del maltratador.

 En el amor romántico se espera de las mujeres pasividad, cuidado, renuncia, entrega y sacrificio. Sin embargo, lo que se espera de los hombres tiene mucho más que ver con ser el héroe y el conquistador, el que logra alcanzar imposibles, seducir, quebrar las normas y resistencias, el que protege, provee, salva, domina y recibe. Por lo tanto, se esperará de ellas que den, que ofrezcan al amor su vida (y que encuentren al amor de su vida), que sean para un otro, y que se entreguen a ese otro, obedientes y sumisas.

Asumir este modelo de amor romántico y los mitos que de él se derivan puede dificultar la reacción de las mujeres que viven en una situación de violencia de género (para ponerle fin, para denunciar o poner en acto alguna otra estrategia de afrontamiento).Esta concepción del amor produce desigualdades de género al no reconocer que su práctica se desarrolla junto a la reproducción de pautas de la cultura patriarcal, donde los roles, entendidos en clave de complementariedad, favorecen los beneficios masculinos. 

Desde esta mirada se considera que en las prácticas del amor romántico se reproducen las dependencias materiales, afectivas, sociales y subjetivas entre los sexos, por medio de los mandatos en torno a las vivencias de cada género en cuanto a las emociones, el deseo, la sexualidad y el cuerpo. Por lo cual, el amor tiene un papel fundamental en la producción de las identidades de género y en las regulaciones que pautan sus condiciones de relación.

Así también se ha visibilizado que las Formas de sentir, socialmente establecidas y diferenciadas de manera jerárquica para hombres y mujeres desde el modelo tradicional de amor romántico, reproducen la heteronormatividad, la subordinación de las mujeres, y, con ello, las posibilidades de prácticas de violencia de género en la vida íntima.

Por último, los invito a compartir este interesante análisis sobre el tema: El amor romántico.

Poesía Renacentista desde Garcilaso hasta el Barroco de Lope de Vega

 Poesía Renacentista

 Poesía italianizante en España, Petrarquista:  Boscán y Garcilaso de la Vega (1501?-1536).

Garcilaso de la Vega, nacido en Toledo, fue un poeta renacentista español, perteneciente a una noble familia castellana, Garcilaso de la Vega participó ya desde muy joven en las intrigas políticas de Castilla. En 1510 ingresó en la corte del rey Carlos I y tomó parte en numerosas batallas militares y políticas. 

Imitando modelos extraños, alcanzó cierto grado de originalidad, enriqueciendo a su patria, no sólo con buen número de formas técnicas, sino también con un nuevo lenguaje poético.  Naturalizó en España el soneto, pues dispuso de tal modo los versos de siete y once sílabas, que lograron la fascinación de su melodía. Sobrevive como Príncipe de los Italianistas, como maestro consumado de la forma del Cinque Cento.

•  Poesía pura, tan esencialmente lírica, por los temas y motivos de inspiración de la misma, bien podría clasificársela de poesía de circunstancias, y con una sinceridad hasta entonces poco vista y que aparece en toda su obra poética, y que en la mayoría de los casos, tiene origen en emociones o sentimientos experimentados en los hechos de la vida misma del poeta.

• La temática garcilasista se recluye en algunos temas comunes al Renacimiento, su poesía está revestida de cierto idealismo y optimismo característicos de la primera mitad del siglo XVI, uno de ellos es el culto a la mujer, idealizada, adorada, casi deificada y, por lo tanto lejana, esquiva e inalcanzable.

Garcilaso señala los caracteres fundamentales de la poesía:

1) naturalidad (huir de la afectación).

2) selección (términos muy cortesanos y admitidos de los buenos oídos).

3) no invención (términos no nuevos ni al parecer desusados de la gente).

Gracias a aquella norma selectiva, el habla de Garcilaso reviste un aire de elegancia perdurable, un sabor de modernidad para todas las épocas, debido a la atinada elección de lo más usual, de lo más popular, de lo más natural, que al fin y al cabo es lo más permanente del idioma, lo más sustraído a los influjos efímeros de la moda.

Sonetos: estructura, métrica y estilo

Desde él, los sonetos que habían alcanzado inusitada perfección con Petrarca, y otros poetas italianos del Renacimiento, entran en la literatura española de manera definitiva, y se convierten en las formas de expresión poética del Siglo de Oro. Después de la publicación de sus versos, gracias al prestigio de la forma bellísima de éstos, el endecasílabo se impuso triunfalmente en nuestra lengua, casi sin oposición.

Los treinta y ocho sonetos son los más bellos y perfectos que aparecen cronológicamente en la poesía española, inspirados varios de ellos en su amor por Isabel Freyre. Como toda su obra, éstos también fueron escritos en endecasílabos italianos.

ESCRITO ESTÁ EN MI ALMA VUESTRO GESTO | 

Garcilaso de la Vega
SONETO V
Escrito está en mi alma vuestro gesto,
y cuanto yo escribir de vos deseo;
vos sola lo escribisteis, yo lo leo
tan solo, que aun de vos me guardo en esto.

En esto estoy y estaré siempre puesto;
que aunque no cabe en mí cuanto en vos veo,
de tanto bien lo que no entiendo creo,
tomando ya la fe por presupuesto.

Yo no nací sino para quereros;
mi alma os ha cortado a su medida;
por hábito del alma mismo os quiero.

Cuanto tengo confieso yo deberos;
por vos nací, por vos tengo la vida,
por vos he de morir, y por vos muero.


Análisis de las lecturas realizadas.

El soneto V recoge la tradición neoplatónica del amor. Al enamorado se le graba en el corazón el rostro de la dama como signo de un amor eterno: escrito está en mi alma vuestro gesto viene a decir que el poeta está enamorado, que el “gesto” (rostro) de la dama la lleva inscrita en su interior. 
En este soneto, además, Garcilaso de la Vega se libera de la casi inevitable exaltación de la dama mediante la hipérbole sagrada («tomando ya la fe por presupuesto»). Mediante el tópico de la humilitas el poeta confiesa a la dama que él no es el verdadero autor del poema sino que es su corazón y él únicamente es el medio por el que escribe su amor. Amar a esta dama forma ya parte de su vida en tanto que “estoy y estaré” amándola siempre y también porque él sólo nació para amarla (perífrasis v.9).

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Barroco en España: Luis de Góngora y Argote (1561-1627), Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645) y Fray Lope Felix de Vega Carpio (1552-1632).

Lecturas compartidas en voz alta de:

Lope de Vega: "Soneto"
Un soneto me manda hacer Violante
que en mi vida me he visto en tanto aprieto;
catorce versos dicen que es soneto;
burla burlando van los tres delante.

Yo pensé que no hallara consonante,
y estoy a la mitad de otro cuarteto;
mas si me veo en el primer terceto,
no hay cosa en los cuartetos que me espante.

Por el primer terceto voy entrando,
y parece que entré con pie derecho,
pues fin con este verso le voy dando.

Ya estoy en el segundo, y aun sospecho
que voy los trece versos acabando;
contad si son catorce, y está hecho.

Francisco de Quevedo: 
"Soneto amoroso definiendo el amor." 

Es yelo abrasador, es fuego helado,

es herida que duele y no se siente,

es un soñado bien, un mal presente,

en un breve descanso muy cansado;

es un descuido que nos da cuidado,

un cobarde, con nombre de valiente,

un andar solitario entre la gente,

un amar solamente ser amado;

es una libertad encarcelada,

que dura hasta el postrero parasismo; 

enfermedad que crece si es curada.

Éste es el niño Amor, éste es el abismo.

¡Mirad cuál amistad tendrá con nada

el que en todo es contrario de sí mismo!

Barroco: tema, el amor, el amante, el sujeto de una pasión que es dolor y ausencia.  Típico uso de antítesis constantes; participios adjetivales (helado/cansado/cuidado/amado/encarcelada/curada). Insistencia en el uso del verbo ser en el sentido de esencia. Aparece la mitología grecolatina en la personificación del niño Amor.

"A un hombre de gran nariz" 

Érase un hombre a una nariz pegado,

érase una nariz superlativa,

érase una alquitara* medio viva,

érase un peje espada mal barbado;

era un reloj de sol mal encarado,

érase un elefante boca arriba,

érase una nariz sayón** y escriba,

un Ovidio Nasón*** mal narigado.

Érase el espolón de una galera, 

érase una pirámide de Egipto,

las doce tribus**** de narices era;

érase un naricísimo infinito,

frisón archinariz, caratulera,

sabañón garrafal morado y frito*****.

*Alambique: objeto para destilar con tapa puntiaguda.

**Alguacil: figurativo, hombre de aspecto feroz.

***Conceptismo: doble sentido, Nason poeta latino, y naso en latín significa nariz.

**** Hlipérbole que da a entender que su nariz equivalía a los doce tribus de Israel

*****Frisón: de gran tamaño. Sabañón: con hinchazón. En estos dos versos hay una metáfora que sugiere una nariz hinchada y roja.

Luis de Góngora: 

"Contra Lope de Vega" (86, en Antología poética)

Dicen que ha hecho Lopico *

contra mí versos adversos;

mas si yo vuelvo mi pico,

con el pico de mis versos

a este Lopico lo-pico.**

* Aliteración: repetición de sonidos

** Juegos de palabras

Los pronombres del Primer grupo

 Clasificación semántica

     Los pronombres son una clase de palabra cuyo significado depende del contexto situacional. 

     Los pronombres del primer grupo (pueden reforzar los ejemplos en este tutorial explicativo) se refieren a los participantes de la situación comunicativa:
           Emisor: la persona que habla       

           Receptor: la persona que escucha
          Referente: aquel o aquello que es referido en la conversación

Los pronombres son palabras de significación semántica ocasional, es decir que según la función sintáctica que tengan, se determinará si cumple la función de un adjetivo, de un sustantivo, o de un adverbio. 

En cuanto a la función sintáctica en la oración, los pronombres del primer grupo pueden tomar la función de núcleo de una construcción sustantiva (sujeto, OD, o término de una proposición), modificador directo u OI.

Se clasifican en:

Pronombres personales:

 designan a las tres personas gramaticales 
La 1º, la/las que hablan (yo/nosotros; me, mí, conmigo; nos); 
La 2ª a la/s que se habla (tú, vosotros, usted/es; te, tí, contigo; os); 
La 3ª de la/s que se habla (él, ellos; le/s, lo/s, la/s, se).

Pronombres posesivos: indican una relación de pertenencia respecto del emisor (mío/s/a/as, mi/s, nuestro/a/s, vuestro/s/a/s); 
del receptor (tuyo/s/a/s, tu/s; su/s;); 
o al referente
 (suyo/s/a/s)
Los pronombres posesivos concuerdan en género y número con el sustantivo al que hacen referencia.

Pronombres demostrativos: Son aquellos que presentan una relación de distancia entre el sujeto y el objeto: este/os, esta/as, esto (forma neutra: función sustantiva); ese/esos, esa/s, eso (forma neutra: función sustantiva); aquel/aquellos, aquella/s, aquello (forma neutra: función sustantiva).


Pronombres enclíticos:

Algunos pronombres personales pueden ocupar posiciones enclíticas, esto es, adosarse al final de formas verbales conjugadas, infinitivos y gerundios: mirarla; besándose; estudiarlo.

Debido a que los pronombres objetivos son palabras que no llevan tildes, que no tienen una acentuación propia, las formas verbales que adosan los pronombres enclíticos, adquieren una sílaba extra, y esto, indudablemente, afectará su acentuación.

      

    besando      + se           =   besándose

   palabra grave                                            palabra esdrújula

terminada en vocal                                       siempre llevan tilde

enojó            + lo           =  enojolo

palabra aguda                                  palabra grave

terminada en vocal                              terminada en vocal

lleva tilde                                              no lleva tilde

García Lorca y los romances nuevos

Los romances nuevos y la nueva trova española

  Recordemos que ya hemos caracterizado los "romances viejos", también denominados los romances primitivos, populares y tradicionales, algunos de los cuales datan del siglo XIV y los más del XV.

  A imitación de éstos, los poetas cultos escribieron también romances llamados "nuevos" o "artísticos". El romancero nuevo tuvo un extraordinarios florecimiento en los siglos XVI y XVII y fue cultivado por sus más grandes representantes: Lope de Vega, Góngora, Quevedo. 

  El XVIII no echó totalmente en olvido este género, pero fue el Romanticismo que le infundió nuevo vigor, al revalorar los textos tradicionales, entre ellos el Duque de Rivas y José Zorrilla.

Modernamente, en el siglo XX, las más puras voces líricas en España como Antonio Machado, Federico García Lorca y Rafael Alberti, han demostrado su preferencia por esta forma poética tradicional.

El romancero es, en consecuencia, un género característico de la literatura hispánica y que nacido en la Edad Media, hacia el 1300, lleva siete siglos de vida, sin equivalentes en ninguna otra literatura.

La poesía popular de Lorca.

  Toda la crítica ha elogiado unánimemente el tono popular de la poesía de Lorca, con hondas raíces en la tradición española, y sobre todo en la de Sevilla. en cierto sentido, ha restaurado el prestigio del romance, con contenidos muy vitales, que pronto gozaron de gran difusión y popularidad.

  En su poesía predomina el tema del amor, la lucha por el derecho a la mujer elegida y la muerte. Los asuntos se presentan con un dramatismo intenso, que provoca una tensión especial en el lector, encerrados en una forma verbal sonora y musical, magnificente y comunicativa.

  El mundo poético preferido de Lorca es el del cante jondo (canto y baile flamenco típico de las comunidades gitanas de Andalucía), los toros, los gitanos, las canciones de jinetes, en otras palabras, el orbe andaluz. Su visión dramática presenta su visión de hombre en la que el destino del ser humano parece ser una lucha permanente entre vivir y morir. Este dramatismo sería la expresión personalizada del pueblo andaluz.

  Federico García Lorca ejerció marcada influencia sobre los escritores posteriores a su generación, tanto en la lírica como en el teatro, ya que su obra significa una revitalización de la veta popular que había sido descuidada desde tiempo atrás.

Los invito a compartir un muy interesante rapeado  por Maite Baena de Reyerta.
Recitado del poema Reyerta
Reyerta. (En Romancero Gitano)
A Rafael Méndez

En la mitad del barranco
las navajas de Albacete,
bellas de sangre contraria,
relucen como los peces.
Una dura luz de naipe
recorta en el agrio verde
caballos enfurecidos
y perfiles de jinetes.
En la copa de un olivo
lloran dos viejas mujeres.
El toro de la reyerta
su sube por la paredes.
Ángeles negros traían
pañuelos y agua de nieve.
Ángeles con grandes alas
de navajas de Albacete.
Juan Antonio el de Montilla
rueda muerto la pendiente
su cuerpo lleno de lirios
y una granada en las sienes.
Ahora monta cruz de fuego,
carretera de la muerte.
El juez con guardia civil,
por los olivares viene.
Sangre resbalada gime
muda canción de serpiente.
Señores guardias civiles:
aquí pasó lo de siempre.
Han muerto cuatro romanos
y cinco cartagineses
La tarde loca de higueras
y de rumores calientes
cae desmayada en los muslos
heridos de los jinetes.
Y ángeles negros volaban
por el aire del poniente.
Ángeles de largas trenzas
y corazones de aceite.

La ciencia ficción

 

La ciencia ficción es un género de la narrativa de ficción en el
que están presentes avances científicos y técnicos, ya sea en el futuro o en el
presente, que afectan e intervienen en la sociedad y en la vida de los
individuos.

Una aproximación al género

No
existe una única definición para explicar qué es la ciencia-ficción. En
realidad, cada autor o ensayista ha gustado de dar su propio punto de vista y
de acotar el género.

Isaac Asimov, por ejemplo, dijo que «las historias de ciencia-ficción son
viajes extraordinarios a uno de los infinitos futuros concebibles»; mientras
que Kingsley Amis la definió como «aquella forma de narrativa que versa sobre
situaciones que no podrían darse en el mundo que conocemos, pero cuya
existencia se funda en cualquier innovación, de origen humano o extraterrestre,
planteada en el terreno de la ciencia o de la técnica, o incluso en el de la
pseudociencia o la pseudotécnica».

El género se suele dividir en dos tendencias: ciencia-ficción hard o dura y
ciencia-ficción soft o blanda.

En
la primera, los elementos científicos y técnicos se tratan con el máximo rigor
y juegan un papel fundamental en la trama de la historia. Un ejemplo de este
subgénero son las obras de autores como Arthur C. Clarke, Hal Clement o Greg
Egan como pueden ser Fuentes del Paraíso, Misión de Gravedad y Ciudad
Permutación, respectivamente.

En el cine podríamos tomar como ejemplo, 2001: Una Odisea Espacial de
Stanley Kubrick.

En
cuanto a la ciencia-ficción soft, el rigor científico no es tan
importante y, en ocasiones, no es más que fantasía. En el género soft las
historias se centran en las consecuencias sociales de los avances tecnológicos.
Entre los autores que la han cultivado: A. E. van Vogt o Ursula K. LeGuin.

En el cine, un claro ejemplo es la saga de La Guerra de las Galaxias.

Orígenes de la ciencia ficción

No existe un consenso global que encuadre los
orígenes de la ciencia-ficción como género, aunque sí se sabe cuándo se acuñó
el término. Fue Hugo Gernsback en 1926 quien lo puso en la portada de la
revista estadounidense Amazing. No obstante, ya había sido utilizado
en 1851 por William Wilson, aunque nadie le prestó atención. La máxima
distinción que se otorga anualmente al escritor de ciencia ficción más
destacado se denomina Hugo, en homenaje al creador del término.

  Hay quien ve los inicios en obras como Viaje a la Luna (1657),
obra póstuma de Cyrano de Bergerac; Los viajes de Gulliver (1726), de
Jonathan Swift, Micromegas (en francés) (1752), de Voltaire o Las
aventuras del Barón de Münchausen (1786), de Rudolf E. Raspe. Aunque,
por lo general, se considera que el origen de la ciencia-ficción está en el Frankenstein
de Mary Shelley.

   Dicha obra contiene uno de los arquetipos que la Ci-Fi usará
bastante en épocas posteriores: el robot, el androide. Frankenstein es una
criatura artificial construida mediante la ciencia médica, la biología y la
física. La evolución del pensamiento filosófico y la entrada del maquinismo, a
raíz de la revolución industrial, hacen que los escritores que desean fabular
abandonen las explicaciones mágicas y se decanten por las científicas.

  Durante la segunda mitad del siglo XIX, llegarán dos de los pioneros por
excelencia del género: 

* Julio Verne, autor de incontables obras de aventuras de corte científico,
como Cinco semanas en globo (1861), Viaje al centro de la Tierra
(1864), De la Tierra a la Luna (1865) o 20.000 leguas de viaje
submarino (1870). En muchas de sus obras anticipó en un siglo lo que sería
realidad.

* El otro autor es H.G. Wells, este novelista inglés introdujo con su obra La
Guerra de los Mundos (1898) un tema
fundamental de la ciencia ficción: la posibilidad de vida en Marte y el viaje
de los marcianos a nuestro planeta. Es considerado por muchos el
auténtico padre de la ciencia-ficción, creador además de La Máquina del
Tiempo (1895), El hombre invisible (1897),  o Cuentos del
espacio y del tiempo (1899).

   Los autores más difundidos de este
tipo de relato son: Isaac Asimov, Karel Chapec (que utilizó por primera vez la
palabra robot), Aldous Huxley, Ray Bradbury, Paul Anderson, Van Vogt, Italo
Calvino.

 

Elementos y temas de la ciencia ficción

A
pesar de ser un género unitario, cada historia trata de uno o varios temas.
Entre otros, estos:

• Diacronías: futuros o alternativas en el tiempo, que se centran
  en cómo se ha desarrollado la sociedad y/o la ciencia.
  
  Ejemplo: Un abismo en el cielo (1998), de Vernon Vinge.

• Utopías y distopías: obras en la que se presenta una
  sociedad futura mejor y obras que hablan de una sociedad futura peor,
  respectivamente. En ambos casos la sociología, la filosofía y, a veces, la
  política, toman protagonismo en la novela junto a otros elementos
  característicos del género como los avances científicos y tecnológicos.
  
  Ejemplos: Un mundo feliz (1932), de Aldous Huxley, y 1984 (1949), de
  George Orwell y La Saga de las Fundaciones (1942-1992) de Isaac Asimov.


• Contacto
  con extraterrestres y
  sus consecuencias.
  
  La Guerra de los Mundos (1898), de H. G. Wells.
  
  
  


• Robots
  y Androides.
  
  Yo, Robot (1950), de Isaac Asimov y El hombre bicentenario (1976).

• Ucronía: especula sobre mundos alternativos en los que los
  hechos históricos se han desarrollado de forma distinta de como los
  conocemos.
  
  El hombre en el castillo (1962), de Philip K. Dick.

Entre
los elementos más comunes de la ciencia-ficción encontramos la clonación y
la mutación genética; la vida extraterrestre junto con la
exploración y colonización espacial; una red artificial que conecta y controla
a todo el mundo; robots inteligentes que buscan someter al hombre; los
viajes en el tiempo; un futuro apocalíptico o, por el contrario, un futuro
utópico; el mundo y los hombres controlados por los ordenadores, etc.

Grandes obras y sus autores

Son
muchos los autores, sobre todo británicos y estadounidenses, que han cultivado
la ciencia ficción desde hace un siglo. Hemos mencionado ya a algunos junto a
sus obras más exitosas, y, por último, también podemos mencionar a los siguientes autores con algunos de sus textos más representativos:

• Ray
  Bradbury autor de Crónicas marcianas
  (1950) o Farenheit 451 (1953).


• Arthur
  C. Clarke autor de la genial 2001:
  Odisea espacial y su precedente, el cuento, El centinela
  (1968), además de La ciudad y las estrellas (1956) o Cánticos de
  la lejana tierra (1986).