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jueves, 27 de octubre de 2022

Othello, el moro de Venecia

Otelo: el moro de Venecia u Othello: el moro de Venecia (título original: The Tragedy of Othello, the Moor of VeniceLa tragedia de Otelo, el moro de Venecia) es una obra teatral de William Shakespeare escrita alrededor de 1603.

   Otelo es una tragedia, como Hamlet, Macbeth y El rey Lear.  Shakespeare escribió Otelo probablemente después de Hamlet pero antes que las dos últimas. La primera representación de la que se tiene noticia se celebró el primero de noviembre de 1604 en el palacio Whitehall de Londres.

   El personaje principal, Otelo, se presenta piadosamente, a pesar de su etnia. Esto era poco habitual en la Literatura Inglesa en tiempos de Shakespeare, durante el período Isabelino, la cual presentaba como villanos a los moros y otros
pueblos de piel oscura. En esta obra, Shakespeare evita cualquier discusión respecto del islam. Otelo se ha destacado
por su gran profundización en la retórica y la tragedia.

Análisis Literario

1. Género: Dramático. Especie: Tragedia. 

2. Temas: DesobedienciaOtelo y Desdémona se casan a pesar de la  desaprobación de su padre. Brabantio acusa a Otelo ante el Dux de haber hechizado y raptado a su hija.

 Difamación. Maldad, envidia. Yago hace nacer en el ánimo de Otelo la sospecha de que su esposa le engaña con el desgraciado lugarteniente. La intercesión de Desdémona en favor de Casio parece confirmar
sus sospechas y crea en el moro unos furiosos celos.

 Celos, desconfianza. Yago se las ingenia para conseguir pruebas que harán que Otelo desconfíe de la lealtad de su esposa. Otelo, cegado por los celos, actúa demencialmente.

3. Argumento: Otelo, el moro de Venecia, ha conquistado el amor de Desdémona, hija de Brabantio, y desea casarse con ella a pesar del rechazo de su padre, luego de un tiempo ellos se casan . Por esto Brabantio acusa a Otelo ante el Dux de haber hechizado y raptado a su hija. Pero Otelo explica de qué manera conquistó lealmente el corazón de Desdémona, y ésta confirma su relato. Mientras tanto llega la noticia de que es inminente un ataque de los turcos contra Chipre, y se pide la colaboración de Otelo para rechazarlos. Brabantio, de mala gana, cede su hija al moro, que inmediatamente marcha con ella a Chipre. El alférez Yago, que ha sido sustituido en el cargo de lugarteniente por Casio, siente un odio profundo hacia Otelo; Yago ha oído rumores de que el moro ha yacido con Emilia, su esposa y dama de compañía de Desdémona. Yago logra desacreditar a Casio ante Otelo, haciendo que Casio se emborrache y turbe la paz pública. En ello le ayuda Rodrigo, que ama, sin ser correspondido, a Desdémona. Casio, privado de su grado, es inducido por Yago para que ruegue a Desdémona que interceda en favor suyo; simultáneamente Yago hace nacer en el ánimo de Otelo la sospecha de que su esposa le engaña con el desgraciado lugarteniente.

Compartamos aquí el pdf del texto dramático de Otelo: el moro de Venecia

lunes, 11 de julio de 2022

Romeo, Julieta y el amor romántico


Aquí pueden acercarse a leer la obra teatral Romeo y Julieta de W. Shakespeare quienes así lo deseen. 

   Romeo y Julieta es la historia de amor más conocida alrededor del mundo. Es complicado imaginar el mundo de relatos amorosos sin Romeo y Julieta, quizás múltiples obras jamás habrían sido ideadas o no existirían clichés. Siglos pasaron desde su estreno en Londres durante el período Isabelino, época dorada del teatro en que el gran Shakespeare presentó su obra más conocida.

      Esta historia no fue creada originalmente por Shakespeare. Si seguimos su rastro antes de él, Luigi da Porto publicó en 1530 una historia que parece haber inspirado Romeo y Julieta. Esta obra se titula L'Historia novellamente ritrovata di due nobili amanti (Historia novelada de dos nobles amantes). La historia también se desarrolla en Verona y sus protagonistas son dos nobles, uno Montesco y otro Capuleto. Incluso, esos amantes también se llaman Romeo y Julieta. Incluso, yendo aún más atrás en el tiempo encontraremos varias versiones similares. La más antigua se remonta casi 1600 años a la antigua Mesopotamia. Su relato se encuentra en diversas fuentes, entre las cuales la más célebre es «Píramo y Tisbe» relatada por Ovidio en sus Metamorfosis. Píramo y Tisbe habían crecido juntos viviendo toda su vida en casas adyacentes. Su romance estaba prohibido por los padres. No obstante, un hueco en la pared les per­mitía comunicarse con cartas secretas. Su final es trágico. 

        Una noche, decidieron encontrarse a escondidas a las afueras de la ciudad. Tisbe salió primero cubierta con un velo para pasar desapercibida. Mientras esperaba a Píramo, una leona se acercó con el hocico cubierto de sangre. Tisbe huyó aterrada hasta una cueva cercana perdiendo su velo. La leona lo olió y lo manchó con sangre. Poco después llegó Píramo; cuando vio el velo en­sangrentado creyó que Tisbe había sido devorada. Acto seguido se clavó su pro­pia espada junto a la morera e inundó el suelo con sangre. Desde entonces los frutos blancos se volvieron rojos. Al encontrarlo, Tisbe supo inmediatamente qué había ocurrido. Descorazonada, se clavó la espada mientras pedía descansar eter­namente junto a su amado. Los dioses escucharon ese último deseo y se lo concedieron. Los padres de Píramo y Tisbe que­maron sus restos en una misma urna.

   Con Romeo y Julieta, los espectadores experimentan emociones de la comedia hasta la tragedia, un conjunto de emociones diversas. Fue el primer gran éxito del dramaturgo ante el público y también ante la crítica. Existen más de 24 óperas inspiradas por este clásico de Shakespeare. Ha influido en varias producciones de ballet y ha sido ilustrada en innumerables ocasiones. su historia se ha llevado a numerosas filmaciones y representaciones en talleres infantiles.

Siempre nos encontramos con su historia. Generación tras generación nos hemos empapado con esta tragedia romántica, amándola o rechazándola, sin punto intermedio. Tendríamos que vivir bajo una roca para nunca haberla conocido. Pero, ¿por qué ha sido tan importante? ¿Por qué seguimos viéndola representada en cada época?

El amor omnipotente

·       Lo que hace tan
especial esta obra son los amores prohibidos; la intensidad, deseo y pasión;
las románticas declaraciones amorosas, los encuentros a escondidas y la
complicidad ante un amor secreto compartido. 
Cuando hay obstáculos,
el amor se intensifica para los amantes; en psicología esto es conocido como
«efecto Romeo y Julieta”.

       Para Romeo no existe
más mundo que Julieta. Incluso algunos aseguran que Rosalina, primer interés
amoroso de Romeo, solo representa ese ideal romántico. Finalmente, Julieta
termina personificándolo; en ella encuentra un amor superior e idealizado. 
Este amor es fuente
infinita de felicidad; puede todo, cura todo. Romeo no es nada sin Julieta ni
ella sin él; ven un vínculo extremadamente intenso en cada uno, rozando lo
divino, poniendo el amor entre ellos, por sobre todas las cosas.

        Nos rendimos ante la
muerte de estos amantes. Terminamos deseando encontrar a nuestro Romeo o a
nuestra Julieta sin indagar en esa tragedia. Nos embriaga su arrebato y nos
impulsa a no pensar las consecuencias. No importa dónde ni cómo, finalmente
deseamos tener ese romance intenso, apasionado; un amor puro, virtuoso,
inocente, sin explorar. Según Harold Bloom, un importante crítico literario, "Esta pieza constituye la mayor y más conveniente celebración del amor romántico  en la literatura universal; inventó la fórmula donde lo sexual se convierte en erótico al cruzarse con la sombra de la muerte”. Existen mejores novelas románticas, pero Shakespeare logró con Romeo y Julietaalgo admirable. No solo es una obra fácilmente digerible, también es cautivadora.



El amor romántico se
fundamenta en aquello que podríamos llamar una filosofía “omni” que lo
consi
dera omnipresente (ocupa todo el ser), omnipotente (todo lo puede) y
omnisapiente (sabiduría infinita). En resumidas cuentas, si estás enamorado
eres pleno, poderoso y sabio" (en 
Interesante — La Vida Digital






































El amor romántico y sus mitos:

Los mitos del amor romántico son el  conjunto de creencias compartidas socialmente sobre lo que supuestamente es "el amor verdadero”. Estos mitos forman parte de los sistemas de creencias que sostenemos en las diferentes sociedades y que alimentan muchas de las producciones culturales que consumimos a diario, en nuestra vida cotidiana, como canciones, películas, series, libros, publicidades, etc.

También afectan directamente en la manera en la que solemos posicionarnos en la pareja y en sus acontecimientos y experiencias. Contribuyen a que pensemos que una chica enamorada DEBE ser de tal manera, hacer y permitir ciertas cosas y que un chico enamorado DEBE ser de tal otra manera, hacer otras cosas, permitir otras o que tiene el derecho de prohibir otras. Y estas maneras de “estar en una relación” siempre son concebidas desde la heteronormatividad, o sea desde una vinculación heterosexual (chica- chico), sin admitir la posibilidad de disidencias sexuales. 

Los siguientes son los principales mitos románticos que se han sustentado en el tiempo y en diferentes lugares del mundo, ya que la noción de amor romántico no es exclusiva de un país, de una región del mundo o ni siquiera de una cultura, sino que está ampliamente extendida. Compartamos el análisis desde la psicología sobre 10 mitos sobre el amor romántico  

¿De qué modo nos pueden afectar estos mitos? La creencia de que el amor todo lo puede llevaría a considerar (equivocadamente) que es posible vencer cualquier dificultad en la relación y/o cambiar comportamientos de su pareja (aunque sea un maltratador) lo que llevaría a seguir en esa relación violenta. Considerar que la violencia y el amor son compatibles (o que ciertos comportamientos violentos son una prueba de amor), justificaría los celos, el afán de posesión y/o los comportamientos de control como muestra de amor, y trasladaría la responsabilidad del maltrato a quien lo padece por no ajustarse a los pedidos del maltratador.

 En el amor romántico se espera de las mujeres pasividad, cuidado, renuncia, entrega y sacrificio. Sin embargo, lo que se espera de los hombres tiene mucho más que ver con ser el héroe y el conquistador, el que logra alcanzar imposibles, seducir, quebrar las normas y resistencias, el que protege, provee, salva, domina y recibe. Por lo tanto, se esperará de ellas que den, que ofrezcan al amor su vida (y que encuentren al amor de su vida), que sean para un otro, y que se entreguen a ese otro, obedientes y sumisas.

Asumir este modelo de amor romántico y los mitos que de él se derivan puede dificultar la reacción de las mujeres que viven en una situación de violencia de género (para ponerle fin, para denunciar o poner en acto alguna otra estrategia de afrontamiento).Esta concepción del amor produce desigualdades de género al no reconocer que su práctica se desarrolla junto a la reproducción de pautas de la cultura patriarcal, donde los roles, entendidos en clave de complementariedad, favorecen los beneficios masculinos. 

Desde esta mirada se considera que en las prácticas del amor romántico se reproducen las dependencias materiales, afectivas, sociales y subjetivas entre los sexos, por medio de los mandatos en torno a las vivencias de cada género en cuanto a las emociones, el deseo, la sexualidad y el cuerpo. Por lo cual, el amor tiene un papel fundamental en la producción de las identidades de género y en las regulaciones que pautan sus condiciones de relación.

Así también se ha visibilizado que las Formas de sentir, socialmente establecidas y diferenciadas de manera jerárquica para hombres y mujeres desde el modelo tradicional de amor romántico, reproducen la heteronormatividad, la subordinación de las mujeres, y, con ello, las posibilidades de prácticas de violencia de género en la vida íntima.

Por último, los invito a compartir este interesante análisis sobre el tema: El amor romántico.


miércoles, 25 de agosto de 2021

Orígenes del teatro

 



El género dramático

La dramática es, junto con la narrativa y la lírica, uno de los tres grandes géneros literarios fundamentales.

Drama es una palabra de origen griego y significa hacer, indica las acciones que los actores llevan a cabo en un escenario y, en consecuencia, es el género literario en el cual los hechos se representan. La obra de teatro ha sido creada con vistas a la acción, para cumplirse en un escenario y frente a un público.

El drama: esta palabra designa a toda creación literaria en la que un escritor, llamado dramaturgo, produce y desarrolla un acontecimiento en un espacio y tiempo en el que intervienen personajes. El aspecto esencial del drama es la acción. En el drama hay dos aspectos igualmente importantes:

* La representación teatral en la que intervienen: actores (es el que interpreta), director (es el que decodifica el texto dramático), y también participan en la puesta en escena, escenógrafo, vestuarista, sonidista, iluminador, etc.

Toda representación teatral es en sí un hecho social porque nace de la necesidad de expresión que tiene una comunidad. La obra de teatro ha sido creada con vistas a la acción, para cumplirse en un escenario y frente a un público.

El género dramático: orígenes

* El hombre primitivo, con un lenguaje de gestos y ademanes, con pantomimas cargadas de magia, usando máscaras, expresaba sus sentimientos, agradecía dones e imploraba la protección a los dioses.  

El ditirambo: orígenes del teatro y del drama:

El ditirambo se practicaba en Grecia en los festivales
en honor a Dionisio, a estos festivales
 se los llamaba dionisias.

El ditirambo es un coro su función era la plegaria y
la oración al dios. También servía como narrador principal de una historia que
no necesariamente tenía que estar relacionada con Dionisio.

El coro era un narrador omnisciente pues conocía el pasado, presente y futuro.

Testis, el director del coro creó distinción entre el personaje principal que habla y el coro responde.

El teatro nace con el aumento de autores, donde aumentan las posibilidades dramáticas al aumentar la acción. Al crecer el número de autores, el coro desaparece.

* Durante el siglo V a.C., en Atenas se llevaban a cabo "Festivales Dramáticos" relacionados con el culto a Dionisos. Actores eran sólo hombres. Fue la época de mayor esplendor cultural griego; el teatro estaba consolidado por las obras maestras de dramaturgos como Esquilo, Aristófanes, Sófocles y Eurípides.


* El teatro
romano
heredó las características griegas, y se destacaron autores como Plauto
y Terencio.


El teatro romano 

Tuvo su apogeo y heredó todas las características griegas, y se destacaron comediantes como Terencio, un esclavo liberto (185/195 a.C-159) y Plauto (251/184 a. C.), actor, comediógrafo, director de su compañía teatral, adaptador de la Comedia Nueva ateniense, en una Roma que justo había descubierto Grecia, pero no era todavía esclava de la moda helenizante. También, durante el apogeo de la Literatura romana, se destacaron en la tragedia autores como Séneca (4 a.C./65d.C.).  La cantidad de modelos griegos de que Plauto podía disponer para sus versiones, era infinita. El objeto de sus obras, como el de los grandes comediógrafos de la Literatura Universal, Aristófanes, Shakespeare y Molière, ha sido el lograr el efecto cómico no la estructura rigurosa, consecuente, de la acción. 

Evolución del teatro
* Durante la Edad Media el teatro tenía un valor litúrgico (culto público y oficial que las iglesias rinden a Dios).
* En el siglo XVI se da en Europa, el florecimiento de una "época de oro" en la literatura, entre otras, en España con las obras de Lope de Vega y Calderón de la Barca; en Inglaterra, con William Shakespeare.
* En el siglo siguiente, en plena época del neoclasicismo, Francia posee las mejores manifestaciones con la producción de Corneille, Racine y Moliêre.


Clasificación de la dramática

 La dramática: clasificación

 Las obras teatrales se pueden clasificar en mayores y menores. 

Entre las mayores: encontramos la tragedia, la comedia y el drama.

Tragedia: es una obra extensa de tono solemne, tema serio, personajes elevados (heroicos) y final "trágico" o desgraciado. Ejemplos: Edipo Rey, de Sófocles o Romeo y Julieta de William Shakespeare.

Comedia: obra de cierta extensión que carece de solemnidad. Su tono es satírico, el tema, popular, los personajes comunes y el desenlace, grato. Ejemplo: El avaro o El burgués gentilhombre de Moliêre.

Drama: obra que combina lo desgraciado con lo feliz. Presenta un conflicto doloroso y lo sitúa en la realidad, con personajes menos grandiosos que los héroes trágicos y más cercanos a la humanidad corriente. Emplea todos los tonos , desde el más humilde hasta el más elevado; el desenlace puede ser venturoso o funesto. Ejemplo: La vida es sueño de Calderón de la Barca

Entre los géneros menores encontramos:

* Entremés: pieza corta de tono realista, es una especie de cuadro de costumbres.

* Sainete: representación con diálogos dinámicos y picarescos y con canciones. Divierte al espectador, busca el efecto con luces y color.

Grotesco: representación que mezcla lo cómico con lo absurdo y deforme. El tema es serio porque muestra una situación social o la angustia de un personaje. El espacio es más limitado que en el sainete y los personajes son seres que sufren. La densidad de la obra provoca perplejidad y angustia en el espectador, y lo invita a reflexionar.

El discurso teatral en el texto dramático



El texto dramático: existe un modelo de construcción argumental más o menos fijo, en el que se despliegan cinco secuencias:

1) presentación de personajes, de rasgos y de temas;

2) desarrollo de las oposiciones previstas a partir de los caracteres de los personajes;

3) intensificación del conflicto (se produce por la presencia de un obstáculo, interior o exterior que impide a alguien conseguir o realizar algo; éste puede resolverse o no, y su solución, si se consigue, puede ser satisfactoria o no serlo) que conduce al

4) climax, momento culminante del desarrollo dramático en el que se produce la máxima tensión dramática, hasta que finalmente desemboca en

5) desenlace o solución al conflicto planteado

Las formas del discurso teatral: se caracteriza por ser doble: por un lado, manifiesta las voces de los personajes a través de los parlamentos y por el otro, presenta las marcaciones escénicas a través de las acotaciones

TEXTO

- diálogo: es la forma privilegiada del texto dramático por dos motivos: en primer lugar, los personajes existen a través de su palabra y en segundo lugar, el diálogo es acción hablada, es decir, las acciones se desarrollan a partir de la palabra. A partir del diálogo entre los personajes se permite hacer conocer al espectador los acontecimientos.

- monólogo: discurso de un personaje que no se dirige a otro y que le permite al espectador conocer su mundo interior (justifica o explica su proceder) - soliloquio: es una forma de monólogo pero que se diferencia del anterior ya que el personaje "dialoga" consigo mismo.

- el aparte: el personaje, que no está solo en la escena, sin ser oído por los otros personajes, se dirige al público y le comunica una idea, alguna opinión o un pensamiento en relación con la escena que se está desarrollando. Establece así cierta complicidad con los espectadores.

COTEXTO: las acotaciones o didascalias: son las marcaciones necesarias para poner en escena el texto. Se trata de indicaciones escénicas y técnicas para los actores y para el director de la obra que no deben ser pronunciadas por los actores. Éstas van generalmente: entre paréntesis y en un tipo distinto de tipografía.

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Estructura del texto dramático

El texto dramático posee unidades formales que el dramaturgo emplea para regular la tensión dramática tales como: 

 * Acto: es cada una de las partes en que puede dividirse una obra dramática. En la representación se marca con la apertura o el cierre del telón. 
 * Escena: es cada parte de un acto marcada por el ingreso o salida de personajes. 
 *Cuadro: es la parte de un acto marcada por el cambio de escenografía.
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Jerga teatral.

Como toda actividad humana, el teatro se vale de un lenguaje propio. Veamos algunos ejemplos:

Bambalinas (cada una de las tiras de lienzo o papel pintado que cuelgan del telar de un teatro completando la decoración. Foro (parte del escenario opuesta a la embocadura). Platea; patio de butacas; palcos; paraíso o gallinero.

Mutis (mudar, voz que se utiliza en el teatro para que un actor se retire de la escena). 

Galán; gracioso; dobles o suplentes; figurantes o comparsas; actor/actriz de carácter; de reparto; damita joven.


Shakespeare y el Teatro Isabelino

 


Vamos a investigar sobre el dramaturgo, poeta y actor inglés, William Shakespeare. 

Para conocer un poco más sobre la vida y la obra de Shakespeare, aquí podrán acceder a un link en el que se hace un interesante recorrido, tanto por su biografía como por sus etapas literarias.


Características del teatro IsabelinoCon dramaturgos como William Shakespeare (como máximo exponente), Christopher Marlowe, o John Fletcher el teatro isabelino tenía varias características que sin duda se desmarcan de la experiencia del teatro actual, aunque todavía hoy en día hay compañías que intentan recrearlo, realizando espectáculos en condiciones similares y siguiendo las convenciones del teatro inglés durante los años 1562 y 1642, período en el que se desarrolló este tipo de teatro. El teatro isabelino marcó un apogeo del teatro inglés siendo el teatro que  se desarrolló durante el reinado de la Reina Isabel con una serie de características muy marcadas: 

Iluminación natural y universal

El teatro Isabelino hizo uso de la iluminación natural y universal. Los espectáculos se realizaban por la tarde en teatros o terrenos al aire libre. Los espectáculos que se realizaban en el interior se hacían a la luz de las velas donde el público y los actores compartían la misma iluminación.

Decorados mínimos

Las compañía de teatro en la época isabelina llevaban sus espectáculos a la calle y actuaban en graneros, casas de familia, casas de nobles, en la parte trasera de los carros o en las plazas de las ciudades. A menudo se hacían teatros con estructuras permanentes con audiencias en todos los lados del escenario. Esto significaba que las piezas del decorado debían ser mínimas, a menudo limitadas a unas pocas cortinas o un fondo de madera.

Efectos de sonido en vivo y música

Los actores creaban todos los efectos de sonido cuando por ejemplo necesitaban ruido de lluvia o de cañones. Muchos actores también eran músicos y era común tener cantantes e instrumentistas actuando antes, durante y después de un espectáculo. Un actor de la compañía de William Shakespeare, Philip Henslowe, registró en su diario que la compañía tenía trompetas, batería, un violín, una viola, entre otros instrumentos.

Participación de la audiencia

La gente iba y venía durante el espectáculo, lo que hacía que los dramaturgos incluyeran resúmenes expositivos. Los miembros de la audiencia a veces abucheaban, arrojaban cosas o hablaban directamente con los actores. Podían caminar durante el espectáculo, hablar y comer. En respuesta, los actores hablaban e interactuaban con la audiencia. Muchos dramaturgos escribieron discursos en los cuales los actores entregaban monólogos directamente a la audiencia.

Compañías teatrales

Era común que los actores formaran compañías, usualmente bajo el auspicio de nobles. Esas compañías que tenían de 12 a 15 actores interpretaban todos los roles, y de hecho daban vida a múltiples personajes en una sola obra. Además, la actuación se consideraba una profesión inapropiada para las mujeres y los hombres interpretaban papeles femeninos.

Estructura de la empresa

El teatro isabelino aún no había desarrollado una estructura en la que se asignaran distintos trabajos a diferentes personas. En cambio, todos en la empresa hacían casi todos los trabajos. Los actores estaban a cargo de accesorios, disfraces y venta de entradas. Los dramaturgos actuaban como actores. No había directores y muchas veces los gastos eran sufragados por los propios actores.

Vestuario

El vestuario en el teatro isabelino era elaborado, colorido, rico y ayudó a distinguir entre las clases sociales. La mayoría de los trajes no intentaban ser auténticas recreaciones de la época; sin embargo , todos eran isabelinos. Inglaterra estaba gobernada por leyes suntuarias en las que las telas, los colores y los estilos de la vestimenta se limitaban a clases específicas, aunque los actores de las compañías autorizadas estaban exentos de estas leyes. Cuando un personaje vestía un traje en particular, inmediatamente comunicaba los roles sociales.


miércoles, 14 de julio de 2021

Orígenes del teatro griego y del teatro romano

 



Características del teatro griego 
y del teatro romano

* De  acuerdo  con los teóricos, el teatro nace en la antigua civilización griega; sin embargo, la mayoría de estudios afirman que  las primeras manifestaciones teatrales surgen en la prehistoria, cuando el hombre  se cubría con pieles  de animales e imitaba los movimientos  de  las fieras que iban a cazar, estas danzas mímicas eran una especie de ritual. De igual modo puede  considerarse, en el  estudio de los orígenes del  teatro, a las antiguas ceremonias religiosas celebradas en torno a la agricultura, en las que se incluían cantos, danzas y recitaciones oraciones  elaboradas para ser presentadas antes el público.

EL DITIRAMBO: orígenes del teatro griego
El ditirambo se practicaba en Grecia en los festivales en honor a Dionisio, a estos festivales se los llamaba Festivales Dionisíacos dionisias
Un individuo del coro, aquel que recitaba el ditirambo, aparecía vestido de Dionisos, en el vestíbulo del templo (donde el coro se agrupaba en torno al altar del sacrificio rodeado en ancho círculo por el pueblo) y con palabras exhortaba a los danzantes para que iniciaran el canto. El ditirambo es un coro; su función era la plegaria y la oración al dios. También servía como narrador principal de una historia que no necesariamente tenía que estar relacionada con Dionisio. El coro era un narrador omnisciente pues conocía el pasado, presente y futuro. 
Parece ser que Tespis , el director del coro, alrededor del año 530 a.C. añadió a los cantos corales una representación de la leyenda de Dionisos, dando así lugar al actor, haciendo distinción entre el personaje principal que habla al que el coro responde.

El teatro nace con el aumento de autores, donde aumentan las posibilidades dramáticas al aumentar la acción, los comienzos de un diálogo, la iniciación de la preponderancia que pronto había de adquirir la forma dramática sobre la lírica del ditirambo. Al crecer el número de autores, el coro desaparece. Durante el siglo V a.C., en Atenas se llevaban a cabo "Festivales Dramáticos" tanto los relacionados con el culto a Dionisos como las Apolíneas, con culto a Apolo.  
 Fue la época de mayor esplendor cultural griego; el teatro estaba consolidado por las obras maestras de dramaturgos como Esquilo (525-456), quien comenzó su florecimiento y cuyos dramas se enlazan por los asuntos con la poesía homérica; Sófocles (496-406), quien le dio su mayor apogeo,  y con Eurípides (480-406) se inició la decadencia de la época. Tiempo después, en la comedia se destacó Aristófanes (450-385).

   El primer certamen de comedias se celebra en Atenas en el año 486 a.C. Con él se inicia el período de la Comedia Antigua. No se poseen piezas completas de los predecesores ni de los contemporáneos de Aristófanes, quien fuera reconocido por su pueblo como el mejor de los poetas cómicos.

En las obras de Aristófanes se advierte el cambio de ideas producido por la guerra del Peloponeso; vemos entre algunas de ellas, el problema del feminismo: en Lysístrata, (411 a. C.) Aristófanes presenta a las mujeres tomando por su cuenta la empresa de acabar la guerra y obligando a los hombres a capitular por fuerza. En otra comedia, ya de la postguerra, del año 392, las mujeres asaltan el poder, dan al Estado una nueva constitución y quitan el voto y los derechos políticos a los hombres. En cambio en El misántropo, un pasaje sobre la educación y función de la mujer en la sociedad ateniense, nos ubica ante el tema de la misoginia constante en la comedia griega, profundamente marcado en Menandro. 
Pérdida casi total del coro, frente al lugar destacado que éste tenía en las tragedias y a la gran importancia que ocupaba incluso en la Comedia Antigua. En la Comedia Nueva, la función del coro sólo es servir de interludio entre los distintos actos; no tiene ninguna relación con la acción escénica de la obra. En este sentido, el coro únicamente ejecuta una danza. 
Las comedias se representaban en certámenes que tenían lugar dos veces al año en el contexto de dos importantes fiestas (Dionisias Urbanas y Leneas), en las que la ciudad encargaba a un hombre rico (el corego) que se hiciera cargo de los gastos que conllevara la representación (costeada parcialmente por el Erario público). Las representaciones tenían lugar dentro del teatro de Dioniso, divinidad bajo cuyo patronazgo se encontraban la Tragedia y la Comedia.

Los actores eran profesionales y en número de tres, aunque pueden llegar a ser de cuatro por pieza. En el cómputo no entran los numerosos personajes “mudos”, como esclavos, niños y acompañantes diversos. El actor va siempre disfrazado y con máscara, exagerando su silueta con cojines. Si representa a un hombre, un falo de cuero es parte indispensable de su vestimenta. El actor recita y, en menor medida, canta. A veces danza con el Coro o ejecuta un baile solo.
De los ensayos se encargaba el didáskalos o productor, que en ocasiones era el mismo autor. Se buscaban coro y actores. Todos ellos eran hombres que, al desempeñar papeles femeninos se disfrazaban convenientemente. Esto sucedía incluso en el caso de que hubiera que representar a una mujer desnuda. El número de coreutas o componentes del Coro era de veinticuatro. En las partes recitadas tomaba la palabra un solo individuo en representación del Coro: el corifeo. 

Funciones del lenguaje

  Un mensaje siempre se emite con un propósito determinado, por ejemplo, informar, opinar, producir una determinada sensación o dar una orde...